PRIVATE VIEW #6

Charlotte Klobassa

Franz-Josefs-Kai 3, Suite 16, 1010 Vienna
May 13 – May 20, 2017

The series PRIVATE VIEW is being continued with Charlotte Klobassa, a 1987 born Viennese, whose paintings deal with the depiction of found imagery, while examining the notion of impulsiveness and free gesture opposed to a more controlled conveyance.

In her series ‘Scribble’ Klobassa draws inspiration from collected pieces of paper found in stationary shops. Discovered while on the lookout for a technique or strategy to evade and subsequently free oneself from a limiting workflow, these findings lend themselves perfectly for free interpretation and association. The papers with test scribbles from unknown authorship manifest a very imminent, impulsive and unconscious composition, and Klobassa complement them with her own sketches or appropriate someone else’s handwriting. By later translating onto large-scale painting she pays tribute to the importance of the medium by emphasizing her obsessive precision in execution of details, celebrating the dichotomy between impulsiveness and habitual.

The medium and small formats exhibited are influenced from social media excerpts, that Charlotte Klobassa implements or enhances with everyday life objects. She thereby creates moods that have an inherent illustrative character, arising as mental collages that permeate her emphasis on spontaneity as well as a remaining evidence of the process itself. As Klobassa states, the accelerated, passive floods of digital networks create a simultaneous mixture of fascination and sense of loss that spontaneously inspire her, evoking a sense of belongingness and desire to consume. The separation by the surface screen, space and time, however, prevents real proximity, depth and exchange. By transferring the imagery onto the pictorial medium, she takes out the sleekness of those virtual moments of desire, while showing images that take their surroundings into account and thus create room for further levels of content and communication.


PRIVATE VIEW #5

Evelyn Plaschg

Franz-Josefs-Kai 3, Suite 16, 1010 Vienna
April 22 – May 6, 2017

In its fifth edition, we are resuming the series with Evelyn Plaschg, a 1988 born Styrian, whose graphical works allude to an undisclosed, subliminal subject while conveying a sense of daintiness and ephemerality.

The starting point for this new series of Evelyn Plaschg’s work is Lucas Cranach’s painting ‘Three Graces’ (1530). Following Greek mythology, the daughters of Zeus and Eurynome, called Euphrosyne (the jocund), Thalia (the prosperous) and Aglaia (the radiant), brought grace and beauty to the people and the gods and the trio was oftentimes depicted as handmaidens of the goddess Venus. The Graces come to be especially popular in the Renaissance, since their representation opens up an opportunity to elaborate on their natural potential for sensuality.

In ‘The Species of Approachers’ Plaschg picks up on the childish frivolity and the alleged alliance between the three figures and some of the graphic elements from Cranach’s ‘Three Graces’ can be found on the larger canvases exhibited. Her modern day graces are full-length personal portraits (also in reference to Cranach) in a spatial setting. The posture of the figures, and their distinct elegance, originates in the subjects’ relation to the space they find themselves in. 

The color palette suggests sensuality, alludes to a blush or redness that could be attributed to embarrassment or discomfort, as much as to a more epicurean context.

In her new large-scale formats, Plaschg treats the canvas like a sheet of paper: with no possibility of erasing or overworking, but rather leaving all the traces in the open, she embraces the performative element of drawing in high concentration.


THE HIGH WIRE ACT

Minda Andrén, Olivia Coeln, Barbara Hainz, Wolfgang Lehrner,
 Mladen Miljanović, Julian Palacz, Andrea van der Straeten, Kay Walkowiak 

Curated by Cornelis van Almsick
and Magdalena Zeller

Berggasse 35, 3.OG, 1090 Vienna
November – December 2016

The tightrope act is a dying genre of acrobatics. Circus memories are nowadays more childhood memories than a contemporary form of entertainment. Yet the tightrope act as a synonym of a daring project is more relevant than ever.

Whether it is the current political situation in regard to the relationship of the EU with Turkey and the refugee crises involved or, quite banal, the happy outgoing of skydiver Luke Aikins jumping without a parachute from a height of 7600m end of July this year: It’s the tightrope act circumscribing it aptly.

Meanwhile there is a strong contrast between the projected need for security of our Western society and the reality of existing problems that sometimes require enormous audacity and determination.

The works of the artists deal with this kind of balance. A surprising act of balance, death-defying performance or simply a composition of strings. There’s a fine line on which the artists move: the abyss on both sides, a death-defying act of balance and in mind the aspiration of physical safety and the recognition of the audience.


YOUNG AMERICANS

Petra Cortright, Luis Giepert, Alex Ito, Carter Mull,
Ken Okiishi, Timur Si-Qin, Ryan Trecartin, Kaari Upson

Curated by Cornelis van Almsick,
organised by Irene Gludowacz

FRANZ JOSEFS KAI 3
1010 Vienna, Franz-Josefs-Kai 3
November – December 2015

Don’t be deceived by the Young Americans. Their youthful exuberance is seductive, but they have deeper and darker secrets to tell than first meets the eye. Underneath the pop aesthetics, the flashy branding, and the decidedly artificial surfaces, are Generation X and Y digital natives and artists, coming to terms with the alienating ubiquity of daily life expressed in new media. 

One of the curious paradigms of the digital experience is that the increasing importance of image culture used on computer screens has been balanced with the growing potential of new materials available to produce physical objects IRL (in real life). Contemporary artists are increasingly transferring techniques used in computer programs directly to material objects and vice versa. When taken offline, the assumed limitations of the screen become endlessly generative as the need for material expression of ideas continues to flourish. Like a teenager coming of age, this approach is maturing, as are the nuances that define it. 

However, the journey is far from over and has been more destructive than productive. The apparent equivalence of digital content and physical form has destabilized definitions of wholeness. Information and history have become mutable, just as much as fixed identities and the purity of ‘truth’ cannot be trusted. The boundaries between what is real, imagined, projected and seen are falling away, blending into lived experience as a mash-up of metaphysical philosophy. With the constant need to delete and refresh, memory and meaning are effectively wiped clean, leaving behind a feeling of emptiness – a neo-nihilism that underpins the digital experience. 

From photographs about alienation and commodity by Ken Okiishi, to the post-apocalyptic landscape of Alex Ito’s installation, and the self-conscious videos by Petra Cortright, the selection of artwork in the Young Americans forefronts each artist’s unique digital output as well as their specific socio-political, ecological, and metaphysical concerns. 

The American dream has long been tarnished as the façade of capitalism, power, and moral righteousness blinds the realities of rising poverty rates, institutionalized violence, and impending environmental collapse. There is an understanding of social degradation built-in to the American experience that bubbles beneath the surface, and feeds its way into the narratives that the Young Americans address.

Text by Arielle Bier, ©2015


TIME TO FILL UP THE GLASS

Adrian Buschmann, Michael Fanta, Hanna Putz, Rosa Rendl
Alexander Ruthner, Lilli Thießen, Anne Cathrin Ulikowski, Marcin Zarzeka

Curated by Cornelis van Almsick

Galerie CRONE, Berlin
10969 Berlin, Rudi-Dutschke-Straße 26
May – June 2015

Weiblicher Partygast: „Also, angeblich, verursacht die rapide Abholzung des Regenwaldes eine weltweite Verbreitung neuer Viren, die große Teile der Bevölkerung dahinraffen wird. Ich zitiere diesbezüglich lediglich den New Yorker, wenn Sie verstehen..“  Will Randall: „Jedes gehobene Magazin argumentiert, dass der Verlust der Regenwälder den Weltuntergang bedeutet. Nun, gleichermaßen kann man argumentieren, dass die Welt bereits untergegangen ist. Dass die Kunst tot ist und wir erschöpft sind. Dass die Kunst von der Pop Kultur ersetzt worden ist, wir Tagesfernsehen haben, schwule Senioren, Frauen, die von ihren Zahnärzten vergewaltigt worden sind und dies vertraulich in Talkshows preisgeben. Es gibt eingehende Studien, warum Frauen ihren Ehemännern die Schwänze abschneiden.“ Männlicher Partygast: „Time to Fill up the Glass.“

Die in der Ausstellung vertretenen Künstler teilen eine gemeinsame Vergangenheit: Kennengelernt haben sie sich in der notorischen Klasse von Daniel Richter an der Akademie der bildenden Künste in Wien, zahlreichen Cocktailpartys und Verursacher kleiner, wie großer Skandale in der Wiener Kunstwelt. Teils gemeinsam, haben sie mittlerweile Ausstellungen im Ausland bestritten - u.a. in Hong Kong, Los Angeles, London, Warschau oder Moskau. Dennoch blieb der Fixpunkt Wien, wo Fanta, Putz, Rendl, Thießen und Zarzeka, nach wie vor ein Studio halten.

In den Räumen im Erdgeschoss finden sich Fotoarbeiten von Rosa Rendl, installative Malerei von Lilli Thießen, skulpturale Wandarbeiten von Marcin Zarzeka und eine raumübergreifende Arbeit von Hanna Putz.

Abgesehen von der skulpturalen Arbeit ‘Sundown Vienna’ von Marcin Zarzeka und der Zusammenarbeit ‘Pullmann’ von Adrian Buschmann und Hanna Putz, ist in den oberen Räumen ausschließlich Malerei zu sehen. Die Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figürlichem. Dennoch haben es die Maler Buschmann, Fanta, Ruthner und Ulikowski, die alle bei Daniel Richter auf der Akademie studiert haben, geschafft, sich ihren eigenen Stil zu erkämpfen und sich damit erfolgreich von Richter zu emanzipieren. Buschmanns Titel, die seinen Bildraum erweitern, Fantas malerische Materialitäten, Ruthners mit plastischen Elementen durchsetzte Landschaftsabstraktionen und Ulikowskis bildlicher, wie schwarzer Humor, bergen eine unglaubliche Originalität.

Marcin Zarzeka hingegen bricht mit der Malerei, obwohl er stark mit ihr verwurzelt ist; studiert hat er an der Bildenden in Wien, bei Amelie von Wulffen und Birgit Megerle. Bereits als Student experimentierte er mit Aquarellen, die er mit eigens gemachten Rahmen versah und die sich über die Zeit selbst zur Skulptur entwickeln sollten und die Aquarelle gänzlich ablösten. Ein starker Bezug zum polnischen Konstruktivismus ist unverkennbar. 

Die Kooperation von Buschmann und Putz zeigt auf Postern eine ungewöhnliche Symbiose zwischen Malerei und Fotografie. Die Prints zeigen Hotelzimmer mit generischer Ausstattung, deren Charakterzüge sich in der Malerei von Buschmann widerspiegeln. Dem Maler und der Fotografin Putz gelingt hier eine außergewöhnlich eigenständige Parallele zu Kippenbergers Hotelzeichnungen, die das Leben des ‘fahrenden’ Künstlers thematisieren.

Alex Ruthners Arbeiten oszillieren zwischen Abstraktion und Figürlichem. Auf einem mehr oder weniger monochromen, grauen Hintergrund finden sich expressive Farbflächen. Elstern, Lerchen und Stare sind zu sehen, die auf vermeintlich anachronistischen Fernsehantennen, sicher jedoch auf geometrischen, schwarzen Linien sitzen. Eine mutmaßlich graue Stadt, deren Melancholie und Verbitterung kontrastiert wird vom Optimismus der zierlichen Vögel.

Text von Cornelis van Almsick, ©2015


A FAREWELL TO ARMS

Alejandro Vidal
Ryszard Waśko

Curated by Cornelis van Almsick
and Katarzyna Uszynska

Neuer Kunstverein Wien
1010 Vienna, Herrengasse 6 – 8
February 2015

Das Gedicht mit dem Titel ‘A Farewell to Arms’ des Engländers George Peele handelt von der Loyalität eines alternden Ritters gegenüber seiner Königin. In seinem 1929 erschienenen gleichnamigen Erfolgsroman erzählt Ernst Hemingway hingegen von Henry Barkley, der sich aus Liebe zur Krankenschwester Catherine vom Krieg abwendet. Hemingway konterkariert die Grauen des Krieges des ersten Weltkriegs mit einer ergreifenden Liebesgeschichte, eine Absage an Krieg und Gewalt.

Der Titel ist Ausgangspunkt der Gegenüberstellung von Alejandro Vidal und Ryszard Waśko, die sich beide nicht nur mit nationaler Identität und deren Konfliktpotential beschäftigen, sondern die ebenso soziale und religiöse Abgrenzung und deren Ausdruck in der Alltagskultur thematisieren.

Die Bezeichnung „Der Dschungel“ wird einerseits in unserer Wahrnehmung mit einem menschenleeren Paradies, der reinen Natur in Verbindung gebracht, andererseits versteht man unter dem Gesetz des Dschungels einen Ort, wo das Recht des Stärkeren herrscht. So zeigt uns Vidal in seiner Serie ‘Paradise of Exception’ eine Dschungellandschaft voll wilder, undurchdringlicher Vegetation mit Palmen und Strand, eine Atmosphäre von Natürlichkeit und Frieden.

Doch nicht nur das Schwarz-Weiß des Drucks der Arbeiten irritiert und lässt innehalten. Die Drucke basieren auf Reproduktionen von Abbildungen, die Vidal Feldhandbüchern der amerikanischen Armee entnommen hat. Büchern, die den Soldaten als Leitsystem für den Kampf um das Überleben im Dschungel dienten. Der Dschungel und seine Dichotomie zwischen Romantik und Gefahr, zwischen Farbe und schwarz-weiß finden ihren Ausdruck in der imaginären Welt der Bildvorlagen aus Militärhandbüchern.

Auch Vidals Videoinstallation ‘Firestorm’ spielt mit Zweideutigkeiten. Zu sehen ist eine scheinbar endlose Aneinanderreihung von farbenprächtigen Feuerwerken, deren Klang sich parallel zu dessen Abbild entfaltet. Je länger man jedoch zuhört, desto mehr ergeben sich Abweichungen: Zu hören sind: Kriegsgeräusche und Explosionen aus einem unbekannten Kampf.

Dem in der während des Golfkrieges verlassenen irakischen Botschaft in Ost-Berlin gefundenem Briefpapier entnahm Vidal den Satz in englisch: „Trough your search for your Enemies you will not find them“, den er nunmehr in einer in situ Arbeit auf die Wände des Ausstellungsraumes auftrug.

Ryszard Waśko arbeitete bereits in den 70 er Jahren mit visuellen Medien wie Film, Fotografie und Video. In seinen konzeptuellen, medienreflexiven Arbeiten ließ er nicht nur die Grenzen zwischen den künstlerischen Gattungen hinter sich, sondern brachte auch immer wieder naturwissenschaftliche, mathematische Methoden in seine Arbeit ein. So orientierte sich der Schnitt seiner Filme und die Gestaltung seiner Fotografien an mathematisch-geometrischen Prinzipien.

In der im Jahr 1977 entstandenen Arbeit “Hypothetical Photography” fügte er eine schwarz- weiße Straßenabbildung in ein Koordinatensytem ein und übersetzte sie in seinen Zeichnungen in ein graphisches Schema, eine Bearbeitung der Fotografie, die ihn letztlich zu einer einzigen geraden Linie führt. 1987 greift Waśko für seine Arbeit “Hypothetical Checkpoint Charlie” auf diese Idee zurück. In einem mathematisch geometrischen Analytischen und destruktivem Prozess löst er die fotografische Abbildung des „Checkpoint Charlie“ in seinen Zeichnungen auf, bis das Objekt wiederum in geraden Linien verschwindet. Die Arbeit “Hypothetical Checkpoint Charlie” kündet bereits 1987 von der Auflösung eines obsoleten Monuments des Kalten Krieges, in dem Gewalt, Aggression und Unterdrückung für alle Zeiten in Beton gegossen schienen. Am 10. November 1989 fotografierte Waśko noch einmal den nunmehr offenen Checkpoint Charlie und vereinte die Photographien und Zeichnungen zu der in der Ausstellung gezeigten Installation.

In seiner Arbeit „No-man’s Land Flags“ aus dem Jahr 1997 präsentiert er aus verschiedenen Farben und Formen gebildeten imaginären Fahnen und thematisiert damit die künstliche und oft gewillkürte Konstruktion nationaler Identitäten.

Die Räumlichkeiten des Ausstellungsraumes, einer alten Wohnung, in dessen Wände Geschichte geschrieben zu sein scheint, verleihen der Ausstellung eine Atmosphäre eines verlassenen Ortes, eines Ortes wie wir ihn von Bildern aus Zonen des Krieges und der Gewalt kennen.

Text von Cornelis van Almsick, ©2015


LIVING THE INTERNATIONAL STYLE

Wolfgang Lehrner
SOLO

Curated by Cornelis van Almsick

Haus Wittgenstein
1030 Vienna, Parkgasse 18
January 2015

Living the International Style by Wolfgang Lehrner (born 1980, lives and works in Vienna) is an approach to the ambivalence encountered in modernity.

“International Style” refers to a drive in classic modernist architecture, which originated in Europe in 1922 and would later be found throughout the world. The term was initially used as a title for a 1932-exhibition at MoMA and for the successive publication The International Style: Architecture since 1922, and it describes an internationalized form of architecture de-contextualized from the locale.

Such a clarity-oriented realignment for man simultaneously implies gain and loss. The dichotomy of modernity’s achievements lies at the heart of this discrete exploration. The works of this series can be ascribed to the 3 aspects Living / International / Style and aim at grasping the moment of transition. A continuous tightrope ride along the small boundary between freedom and uprooting, mass and individual, openness and translucency.

In the sense of this border-crossing, the Haus Wittgenstein (built 1925-1928 by Ludwig Wittgenstein in cooperation with Paul Engelmann) is, to say the least, exemplary. Its aesthetics are simple and sublime, colossal and weightless, translucent and hermetic, pure and elaborate. Wittgenstein’s philosophical and architectural project of isolating the “Speakable from the Ineffable” allows the spectator to depart from zero into experiencing both extremes.

Text by Dajana Dorfmayr, ©2015


A DIFFERENT ORDER

Nandita Raman
Kay Walkowiak

Curated by Cornelis van Almsick

FRANZ JOSEFS KAI 3
1010 Vienna, Franz-Josefs-Kai 3
November 2014

The points of departure for this exhibition are two different constructs of thought and space rooted in India: the Western mondernist planned city of Chandigarh, which was built in the 1950s under Le Corbusier with a Utopian approach, and Maha Kumbh Mela in Allahabad, which is – with 40 million pilgrims – the largest gathering of people worldwide.

In new sculptural, filmic and photographic works, Nandita Raman and Kay Walkowiak discuss different aspects of these real places with Utopian characteristics. They examine the topos of a failed utopia as well as the phenomenon of this insatiable longing for a place beyond all places. Not least, this exhibition discusses the question of translation this non-place which, as a place of potentiality, keeps our wish machine running.